You
< what you are given at a certain moment possibilities, chances
___ The path you choose to take or follow
F.T.
Sunday, May 28, 2006
Friday, May 26, 2006
How to write about Africa (good Luck!)
How to write about Africa
By B. W.
some tips: sunsets and starvation are good
Always use the word 'Africa' or 'Darkness' or 'Safari' in your title. Subtitles may include the words 'Zanzibar', 'Masai', 'Zulu', 'Zambezi', 'Congo', 'Nile', 'Big', 'Sky', 'Shadow', 'Drum', 'Sun' or 'Bygone'. Also useful are words such as 'Guerrillas', 'Timeless', 'Primordial' and 'Tribal'. Note that 'People' means Africans who are not black, while 'The People' means black Africans.
Never have a picture of a well-adjusted African on the cover of your book, or in it, unless that African has won the Nobel Prize. An AK-47, prominent ribs, naked breasts: use these. If you must include an African, make sure you get one in Masai or Zulu or Dogon dress.
In your text, treat Africa as if it were one country. It is hot and dusty with rolling grasslands and huge herds of animals and tall, thin people who are starving. Or it is hot and steamy with very short people who eat primates. Don't get bogged down with precise descriptions. Africa is big: fifty-four countries, 900 million people who are too busy starving and dying and warring and emigrating to read your book. The continent is full of deserts, jungles, highlands, savannahs and many other things, but your reader doesn't care about all that, so keep your descriptions romantic and evocative and unparticular.
Make sure you show how Africans have music and rhythm deep in their souls, and eat things no other humans eat. Do not mention rice and beef and wheat; monkey-brain is an African's cuisine of choice, along with goat, snake, worms and grubs and all manner of game meat. Make sure you show that you are able to eat such food without flinching, and describe how you learn to enjoy it—because you care.
Taboo subjects: ordinary domestic scenes, love between Africans (unless a death is involved), references to African writers or intellectuals, mention of school-going children who are not suffering from yaws or Ebola fever or female genital mutilation.
Throughout the book, adopt a sotto voice, in conspiracy with the reader, and a sad I-expected-so-much tone. Establish early on that your liberalism is impeccable, and mention near the beginning how much you love Africa, how you fell in love with the place and can't live without her. Africa is the only continent you can love—take advantage of this. If you are a man, thrust yourself into her warm virgin forests. If you are a woman, treat Africa as a man who wears a bush jacket and disappears off into the sunset. Africa is to be pitied, worshipped or dominated. Whichever angle you take, be sure to leave the strong impression that without your intervention and your important book, Africa is doomed.
Your African characters may include naked warriors, loyal servants, diviners and seers, ancient wise men living in hermitic splendour. Or corrupt politicians, inept polygamous travel-guides, and prostitutes you have slept with. The Loyal Servant always behaves like a seven-year-old and needs a firm hand; he is scared of snakes, good with children, and always involving you in his complex domestic dramas. The Ancient Wise Man always comes from a noble tribe (not the money-grubbing tribes like the Gikuyu, the Igbo or the Shona). He has rheumy eyes and is close to the Earth. The Modern African is a fat man who steals and works in the visa office, refusing to give work permits to qualified Westerners who really care about Africa. He is an enemy of development, always using his government job to make it difficult for pragmatic and good-hearted expats to set up NGOs or Legal Conservation Areas. Or he is an Oxford-educated intellectual turned serial-killing politician in a Savile Row suit. He is a cannibal who likes Cristal champagne, and his mother is a rich witch-doctor who really runs the country.
Among your characters you must always include The Starving African, who wanders the refugee camp nearly naked, and waits for the benevolence of the West. Her children have flies on their eyelids and pot bellies, and her breasts are flat and empty. She must look utterly helpless. She can have no past, no history; such diversions ruin the dramatic moment. Moans are good. She must never say anything about herself in the dialogue except to speak of her (unspeakable) suffering. Also be sure to include a warm and motherly woman who has a rolling laugh and who is concerned for your well-being. Just call her Mama. Her children are all delinquent. These characters should buzz around your main hero, making him look good. Your hero can teach them, bathe them, feed them; he carries lots of babies and has seen Death. Your hero is you (if reportage), or a beautiful, tragic international celebrity/aristocrat who now cares for animals (if fiction).
Bad Western characters may include children of Tory cabinet ministers, Afrikaners, employees of the World Bank. When talking about exploitation by foreigners mention the Chinese and Indian traders. Blame the West for Africa's situation. But do not be too specific.
Broad brushstrokes throughout are good. Avoid having the African characters laugh, or struggle to educate their kids, or just make do in mundane circumstances. Have them illuminate something about Europe or America in Africa. African characters should be colourful, exotic, larger than life—but empty inside, with no dialogue, no conflicts or resolutions in their stories, no depth or quirks to confuse the cause.
Describe, in detail, naked breasts (young, old, conservative, recently raped, big, small) or mutilated genitals, or enhanced genitals. Or any kind of genitals. And dead bodies. Or, better, naked dead bodies. And especially rotting naked dead bodies. Remember, any work you submit in which people look filthy and miserable will be referred to as the 'real Africa', and you want that on your dust jacket. Do not feel queasy about this: you are trying to help them to get aid from the West. The biggest taboo in writing about Africa is to describe or show dead or suffering white people.
Animals, on the other hand, must be treated as well rounded, complex characters. They speak (or grunt while tossing their manes proudly) and have names, ambitions and desires. They also have family values: see how lions teach their children? Elephants are caring, and are good feminists or dignified patriarchs. So are gorillas. Never, ever say anything negative about an elephant or a gorilla. Elephants may attack people's property, destroy their crops, and even kill them. Always take the side of the elephant. Big cats have public-school accents. Hyenas are fair game and have vaguely Middle Eastern accents. Any short Africans who live in the jungle or desert may be portrayed with good humour (unless they are in conflict with an elephant or chimpanzee or gorilla, in which case they are pure evil).
After celebrity activists and aid workers, conservationists are Africa's most important people. Do not offend them. You need them to invite you to their 30,000-acre game ranch or 'conservation area', and this is the only way you will get to interview the celebrity activist. Often a book cover with a heroic-looking conservationist on it works magic for sales. Anybody white, tanned and wearing khaki who once had a pet antelope or a farm is a conservationist, one who is preserving Africa's rich heritage. When interviewing him or her, do not ask how much funding they have; do not ask how much money they make off their game. Never ask how much they pay their employees.
Readers will be put off if you don't mention the light in Africa. And sunsets, the African sunset is a must. It is always big and red. There is always a big sky. Wide empty spaces and game are critical—Africa is the Land of Wide Empty Spaces. When writing about the plight of flora and fauna, make sure you mention that Africa is overpopulated. When your main character is in a desert or jungle living with indigenous peoples (anybody short) it is okay to mention that Africa has been severely depopulated by Aids and War (use caps).
You'll also need a nightclub called Tropicana, where mercenaries, evil nouveau riche Africans and prostitutes and guerrillas and expats hang out.
Always end your book with Nelson Mandela saying something about rainbows or renaissances. Because you care.
By B. W.
some tips: sunsets and starvation are good
Always use the word 'Africa' or 'Darkness' or 'Safari' in your title. Subtitles may include the words 'Zanzibar', 'Masai', 'Zulu', 'Zambezi', 'Congo', 'Nile', 'Big', 'Sky', 'Shadow', 'Drum', 'Sun' or 'Bygone'. Also useful are words such as 'Guerrillas', 'Timeless', 'Primordial' and 'Tribal'. Note that 'People' means Africans who are not black, while 'The People' means black Africans.
Never have a picture of a well-adjusted African on the cover of your book, or in it, unless that African has won the Nobel Prize. An AK-47, prominent ribs, naked breasts: use these. If you must include an African, make sure you get one in Masai or Zulu or Dogon dress.
In your text, treat Africa as if it were one country. It is hot and dusty with rolling grasslands and huge herds of animals and tall, thin people who are starving. Or it is hot and steamy with very short people who eat primates. Don't get bogged down with precise descriptions. Africa is big: fifty-four countries, 900 million people who are too busy starving and dying and warring and emigrating to read your book. The continent is full of deserts, jungles, highlands, savannahs and many other things, but your reader doesn't care about all that, so keep your descriptions romantic and evocative and unparticular.
Make sure you show how Africans have music and rhythm deep in their souls, and eat things no other humans eat. Do not mention rice and beef and wheat; monkey-brain is an African's cuisine of choice, along with goat, snake, worms and grubs and all manner of game meat. Make sure you show that you are able to eat such food without flinching, and describe how you learn to enjoy it—because you care.
Taboo subjects: ordinary domestic scenes, love between Africans (unless a death is involved), references to African writers or intellectuals, mention of school-going children who are not suffering from yaws or Ebola fever or female genital mutilation.
Throughout the book, adopt a sotto voice, in conspiracy with the reader, and a sad I-expected-so-much tone. Establish early on that your liberalism is impeccable, and mention near the beginning how much you love Africa, how you fell in love with the place and can't live without her. Africa is the only continent you can love—take advantage of this. If you are a man, thrust yourself into her warm virgin forests. If you are a woman, treat Africa as a man who wears a bush jacket and disappears off into the sunset. Africa is to be pitied, worshipped or dominated. Whichever angle you take, be sure to leave the strong impression that without your intervention and your important book, Africa is doomed.
Your African characters may include naked warriors, loyal servants, diviners and seers, ancient wise men living in hermitic splendour. Or corrupt politicians, inept polygamous travel-guides, and prostitutes you have slept with. The Loyal Servant always behaves like a seven-year-old and needs a firm hand; he is scared of snakes, good with children, and always involving you in his complex domestic dramas. The Ancient Wise Man always comes from a noble tribe (not the money-grubbing tribes like the Gikuyu, the Igbo or the Shona). He has rheumy eyes and is close to the Earth. The Modern African is a fat man who steals and works in the visa office, refusing to give work permits to qualified Westerners who really care about Africa. He is an enemy of development, always using his government job to make it difficult for pragmatic and good-hearted expats to set up NGOs or Legal Conservation Areas. Or he is an Oxford-educated intellectual turned serial-killing politician in a Savile Row suit. He is a cannibal who likes Cristal champagne, and his mother is a rich witch-doctor who really runs the country.
Among your characters you must always include The Starving African, who wanders the refugee camp nearly naked, and waits for the benevolence of the West. Her children have flies on their eyelids and pot bellies, and her breasts are flat and empty. She must look utterly helpless. She can have no past, no history; such diversions ruin the dramatic moment. Moans are good. She must never say anything about herself in the dialogue except to speak of her (unspeakable) suffering. Also be sure to include a warm and motherly woman who has a rolling laugh and who is concerned for your well-being. Just call her Mama. Her children are all delinquent. These characters should buzz around your main hero, making him look good. Your hero can teach them, bathe them, feed them; he carries lots of babies and has seen Death. Your hero is you (if reportage), or a beautiful, tragic international celebrity/aristocrat who now cares for animals (if fiction).
Bad Western characters may include children of Tory cabinet ministers, Afrikaners, employees of the World Bank. When talking about exploitation by foreigners mention the Chinese and Indian traders. Blame the West for Africa's situation. But do not be too specific.
Broad brushstrokes throughout are good. Avoid having the African characters laugh, or struggle to educate their kids, or just make do in mundane circumstances. Have them illuminate something about Europe or America in Africa. African characters should be colourful, exotic, larger than life—but empty inside, with no dialogue, no conflicts or resolutions in their stories, no depth or quirks to confuse the cause.
Describe, in detail, naked breasts (young, old, conservative, recently raped, big, small) or mutilated genitals, or enhanced genitals. Or any kind of genitals. And dead bodies. Or, better, naked dead bodies. And especially rotting naked dead bodies. Remember, any work you submit in which people look filthy and miserable will be referred to as the 'real Africa', and you want that on your dust jacket. Do not feel queasy about this: you are trying to help them to get aid from the West. The biggest taboo in writing about Africa is to describe or show dead or suffering white people.
Animals, on the other hand, must be treated as well rounded, complex characters. They speak (or grunt while tossing their manes proudly) and have names, ambitions and desires. They also have family values: see how lions teach their children? Elephants are caring, and are good feminists or dignified patriarchs. So are gorillas. Never, ever say anything negative about an elephant or a gorilla. Elephants may attack people's property, destroy their crops, and even kill them. Always take the side of the elephant. Big cats have public-school accents. Hyenas are fair game and have vaguely Middle Eastern accents. Any short Africans who live in the jungle or desert may be portrayed with good humour (unless they are in conflict with an elephant or chimpanzee or gorilla, in which case they are pure evil).
After celebrity activists and aid workers, conservationists are Africa's most important people. Do not offend them. You need them to invite you to their 30,000-acre game ranch or 'conservation area', and this is the only way you will get to interview the celebrity activist. Often a book cover with a heroic-looking conservationist on it works magic for sales. Anybody white, tanned and wearing khaki who once had a pet antelope or a farm is a conservationist, one who is preserving Africa's rich heritage. When interviewing him or her, do not ask how much funding they have; do not ask how much money they make off their game. Never ask how much they pay their employees.
Readers will be put off if you don't mention the light in Africa. And sunsets, the African sunset is a must. It is always big and red. There is always a big sky. Wide empty spaces and game are critical—Africa is the Land of Wide Empty Spaces. When writing about the plight of flora and fauna, make sure you mention that Africa is overpopulated. When your main character is in a desert or jungle living with indigenous peoples (anybody short) it is okay to mention that Africa has been severely depopulated by Aids and War (use caps).
You'll also need a nightclub called Tropicana, where mercenaries, evil nouveau riche Africans and prostitutes and guerrillas and expats hang out.
Always end your book with Nelson Mandela saying something about rainbows or renaissances. Because you care.
Wednesday, May 24, 2006
MISSING
MISSING:
YOUNG MAN DRESSED IN BLUE LAST SEEN FRIDAY THE 12th OF MAY,
BETWEEN 20:30-21:30, AT THE ENTRANCE OF THIS BUILDING.
PLEASE CONTACT GIRL DRESSED IN YELLOW.
Email
YOUNG MAN DRESSED IN BLUE LAST SEEN FRIDAY THE 12th OF MAY,
BETWEEN 20:30-21:30, AT THE ENTRANCE OF THIS BUILDING.
PLEASE CONTACT GIRL DRESSED IN YELLOW.
Review of the reviewers
Critics constantly complain that writers are lacking in standards, yet they themselves seem to have no standards other than personal prejudice for literary criticism. (...) such standards do exist.
Matthew Arnold set up three criteria for criticism:
1. What is the writer trying to do?
2. How well does he succeed in doing it? (...)
3. Does the work exhibit "high seriousness"?
That is, does it touch on basic issues of good and evil, life and death and the human condition. I would also apply a fourth criterion (...)
Write about what you know. More writers fail because they try to write about things they don't know than for any other reason.
— William S. Burroughs, 'A Review of the Reviewers'
Matthew Arnold set up three criteria for criticism:
1. What is the writer trying to do?
2. How well does he succeed in doing it? (...)
3. Does the work exhibit "high seriousness"?
That is, does it touch on basic issues of good and evil, life and death and the human condition. I would also apply a fourth criterion (...)
Write about what you know. More writers fail because they try to write about things they don't know than for any other reason.
— William S. Burroughs, 'A Review of the Reviewers'
ARTIST
"I chose a dancer – an artist, an improviser in an ephemeral form – as a protagonist because that practice – dance – is probably the least susceptible to commodification. Not that commodification is bad; I’m only suggesting that that kind of performance is for the most part ignored by the marketplace and that that is what NYC had become: not a forum for art and ideas but a marketplace. The protagonist spends her day looking for a job and talking with other artists about their practice; they drink and talk about sex and/or about how difficult being an artist is, and then drink some more. I was being a bit reductive – and I haven’t seen the movie in a while – but that is what being an artist in NYC had become for many people. The durational shots of street corners and houses and places were an attempt to say “meanwhile ...”, that life goes on here and there – in the memory as well as down the street."
B.S.
B.S.
Teatro Académico de Gil Vicente _ workshop
De 2 a 4 de Junho 2006
4ª Semana(d)ança
Workshop de Dança
Formadora Vânia Gala
Inscrições abertas no TAGV de 2 a 28 de Maio
Calendarização:
Dia 2 de Junho
20h30 – 22h30
Aula Técnica (técnica Release)
Dia 3 de Junho
11h00-13h00
Aula Técnica (técnica Release)
14h00-18h00
Composição – Performing Dance
Dia 4 de Junho
14h00-16h00
Aula Técnica (técnica Release)
16h00-18h00
Músculo de Ideias:
Visionamento do espectáculo “Zweiland”, de Sasha Waltz & Guest
A Bailarina Vânia Gala regressa a Coimbra para mais um workshop Semana(d)ança.
O projecto Semana(d)ança pretende ir ao encontro e responder a um desejo/necessidade que esta cidade já sentia de há muito, proporcionando e contribuindo para o desenvolvimento dos conhecimentos tanto teóricos como práticos na área da dança contemporânea de uma forma consistente e sistemática.
Desde há mais de uma década que se vem reforçando gradualmente estruturas e grupos na área performativa contemporânea e o que é facto é que a dança como disciplina e questionamento não se pode arredar desse esforço. Podendo e devendo contribuir com as suas valências.
A dança que tem o corpo como centro e mediação vem desde há muito dar expressão ás velocidades e transformações contínuas características da nossa contemporaneidade.
A sua capacidade de cruzar, incorporar de um modo quase instantâneo as experiências mais radicais e inovadoras faz com que ela seja um dos lugares por excelência de muitos questionamentos.
Que ideias temos do corpo, quais são os nossos desejos, que desejos é que nos percorrem, como nos relacionamos, novas maneiras de relacionarmos, que relação estabelecemos com os vários universos virtuais e tecnológicos, o confronto com a tecnologia, o poder da imagem, a memória, o envelhecimento, a doença, o contágio, a obsessão pela saúde pelo risco.
Talvez por isso mesmo a área da dança integre componentes das mais diversas áreas artísticas, seja o teatro, performance (aqui performance no sentido puro surgida nos movimentos de anos 60 e aprofundada pelo movimento de dança da Judson Church- nos anos 70), artes visuais (vídeo, pintura, instalação), cinema e música (desde a clássica até à música pop).
A Semana(d)ança como conceito e nos moldes a que se propõe tenta concentrar em quatro ou cinco dias no final de cada mês de forma intensiva essa necessidade de aprendizagem. O tempo será repartido por três módulos – aulas teóricas (ver Músculo de Ideias), aulas práticas - (ver Técnica Release e Composição-Performing Dance).
O seu carácter intensivo talvez se adapte melhor a um público-alvo constituído maioritariamente por estudantes universitários, artistas e público em geral que manifeste interesse nesta área.
O que autora se propõe com este projecto é chegar a níveis de exigência e rigor, estimular os participantes a produzir processos criativos autónomos e em constante diálogo com os outros e em contexto com mundo que os rodeia.
Através do debate e confronto com métodos e processos dos mais diversos na área da dança, oferecer-se-á ao corpo formas de movimentação e técnicas específicas, expondo ainda os participantes a informação nos mais variados suportes (vídeo, imagem, fotografia, música) ambos com a finalidade precisa e prática de serem trabalhados e incluídos num processo singular de composição. Pretende-se também com o módulo Músculo de Ideias provocar discussão, debate e formação de ideias próprias e praticáveis sobre o que é criar e inventar novas formas.
A experiência profissional da autora Vânia Gala construiu-se em contextos muito diversos em países como a Alemanha, Bélgica, Holanda proporcionando-lhe uma grande riqueza na abordagem ao fenómeno artístico e suas metodologias.
A assimilação de processos e disciplinas criativas em contextos de companhias profissionais com diferentes coreógrafos, o tipo de resposta criativa que teve que dar, o rigor e a disciplina física, a interacção com outros bailarinos, actores/performers em palco, a adaptação a vários palcos, as tournées, permitem-lhe hoje dispor de um conhecimento sólido e consistente tanto prático como teórico na área da dança.
Tem aproveitado essa experiência para dar aulas, não só a profissionais como também a não profissionais que demonstram curiosidade e interesse na área da dança, em países e contextos diferentes.
A sua experiência profissional inclui ainda o lugar de assistente de movimento na área do teatro no Teatro Nacional de Bergen- Nacionale Scene- Noruega.
Para além disso, tem desenvolvido e criado projectos coreográficos da sua autoria, tendo o seu último projecto, (AID) Automatic Id, sido apoiado pelo Ministério da Cultura Português e pelo Norskulturrad – Ministério da Cultura Norueguês. Este seu trabalho coreográfico tem-lhe permitido intensificar diálogos com diferentes áreas artísticas como o vídeo, música, e cenografia. Este seu último trabalho foi apresentado tanto em Portugal como na Alemanha e futuramente será apresentado em Cork (no contexto de Cork Capital Europeia da Cultura) e Dublin.
A Semana(d)ança propõe-se dar aos participantes um espaço onde possam efectivamente e de forma consistente gerar e contribuir para autonomização dos mais diversos processos criativos e reforçar o papel da dança na cidade de Coimbra no diálogo com as mais diversas áreas.
MÓDULOS
Aula Técnica
TÉCNICA RELEASE
DESCRIÇÃO
Começando no solo e partir progressivamente para movimento amplo no espaço.
A ideia central da aula é a conexão do bailarino com o solo e desenvolver a capacidade de direccionar energia conscientemente pelas diferentes articulações e membros docorpo, aumentando assim a capacidade e alcance do movimento por meio de uma maior consciencialização corporal.
As aulas começam com padrões de movimento no solo acompanhados do uso de imagens anatómicas com o objectivo de activar a relação entre o centro e extremidades do corpo.
Trabalharemos e daremos especial atenção ao ir e sair para o solo de uma maneira fácil e ágil; e daqui encontrar suporte para movimento na vertical.
Mais tarde, investigaremos através de sequências de movimento, formas mais complexas de movimentação, envolvendo: quedas, espirais, posições invertidas, “cartwill”,”handstand” e movimento amplo pelo espaço.
Estas frases de movimento serão investigadas dando especial atenção ao detalhe e à nossa capacidade de retenção/memória de movimento.
COMPOSIÇÃO / PERFORMING DANCE
DESCRIÇÃO
Serão propostas diferentes áreas de inspiração para criar material que sirva à criação coreográfica. Fontes de inspiração como filmes, fotografia, literatura e música pop...serão fonte de partida dessas investigações.
Como organizar/desorganizar movimento no espaço usando técnicas de improvisação ou por mudanças no espaço, no detalhe, qualidade ou velocidade.
Tomar riscos na criação de movimento.
A EXTREMA – velocidade, lentidão, posições invertidas, uso da força, articulação ou detalhe. O experimentar novas capacidades do corpo em movimento e do bailarino como performer. Experimentar-se-á material em grupo ou em solo.
Investigaremos a composição em termos de ritmo e seu desenvolvimento pelo espaço. Quem somos? Quem sou eu como bailarino ou quando estou em palco?
MÚSCULO DE IDEIAS
"Músculo de Ideias" dirige-se a todos aqueles que manifestam interesse na área das artes e no que é criar e ser criativo. Ao longo de vários processos criativos por vezes tão diferentes em que estive envolvida confrontei-me com uma série de questões a que tenho tentado dar resposta de alguma maneira. Pretende-se que "Músculo de Ideias" seja um espaço e um momento de as debater com uma certa intensidade. Permitindo o confronto de pontos de vista diferentes, desejando mesmo gerar outras questões sobre actividade artística.
O que é criar, o que é inventar alguma coisa, o que faz a singularidade genialidade de um artista e sua obra particulares, o que é isso de ter uma ideia, imitação/cópia versus autencidade/originalidade.
Pretende-se no período de duas horas e meia analisar com algum pormenor obras e artistas da área da dança, bem como de outras áreas relacionadas com ela, seja a música, artes visuais ou o teatro. Em conjunto concentrar-nos-emos em diferentes autores e algumas das suas criações, ás vezes tão radicalmente opostas. Como tomam forma e ganham autonomia, o que as alimenta, a extrema diversidade de processos que lhes estão subjacentes, como se relacionam com o seu tempo e com a nossa actualidade.
Com a ajuda de vídeos, fotografia, textos e música tentar-se-á provocar o debate, desconstruindo algumas das opiniões feitas e juízos apressados que temos destes artistas.
Aprender a dar “feedback" criativo de forma articulada e consistente, discutindo, indo muito além da superfície de cada criação, chegando ao pormenor às cores, formas, dramaturgia, ritmo, relação entre os vários performers em palco, o uso do espaço.....
Encontrando e relacionando os mais diversos sentidos de cada obra. Para aqueles para quem o associar e o tentar encontrar as grandes linhas e sentidos de uma obra é um hábito de algum modo algo familiar, um aviso: serão também confrontados com o núcleo, o cerne da criação, o puro prazer pelo prazer, o beau geste e a emoção/vertigem que todo o acto de criação contém.
Já que, não nos esqueçamos, é muitas vezes o incómodo e a estranheza de certas situações, o impulso inicial para a criação.
Com todos os cruzamentos de cultura pop, cinema e novas tecnologias, como é que arte alcança e procura novos sentidos. Juntando e reinterpretando formatos do passado? Ou juntando-os e reconstextualizando-os.
Indo mesmo mais longe questionar-nos-emos: fará algum sentido ser radical / revolucionário nos dias de hoje.
Se sim que novas formas tomará. Afinal de contas o que é ser artista hoje. Pode ainda alguém oferecer uma visão singular sobre Mundo?
Nota Cada sessão será dedicada a um tema específico.
Público-alvo:
Jovens (maiores de 15 anos), estudantes universitários, artistas e público em geral que manifestem interessem nesta área.
Valor da Inscrição: 35,00 euros
Inscrições abertas no TAGV de 2 a 28 de Maio
Para qualquer solicitação contactar:
Serviços Artísticos e de Produção
Teresa Santos
Tel. _ 239 855630
Fax_ 239 855637
E-mail: http://by110fd.bay110.hotmail.msn.com/cgi-bin/compose?mailto=1&msg=8285ADBD-DD46-4081-B674-39C576D660C9&start=0&len=307967&src=&type=x&to=s.artisticos@tagv.uc.pt&cc=&bcc=&subject=&body=&curmbox=00000000-0000-0000-0000-000000000001&a=f6b9446e32c53aaef64213b6d06ce09358f999df02ff736dc151b63a0e33bb73
URL: http://www.uc.pt/tagv
Teatro Académico de Gil Vicente
Praça da República _ 3000-343 Coimbra
Tel.: +351 239 855630 _ Fax: +351 239 855637
E-mail: http://by110fd.bay110.hotmail.msn.com/cgi-bin/compose?mailto=1&msg=8285ADBD-DD46-4081-B674-39C576D660C9&start=0&len=307967&src=&type=x&to=teatro@tagv.uc.pt&cc=&bcc=&subject=&body=&curmbox=00000000-0000-0000-0000-000000000001&a=f6b9446e32c53aaef64213b6d06ce09358f999df02ff736dc151b63a0e33bb73 _ Url: www.uc.pt/tagv
De 2 a 4 de Junho 2006
4ª Semana(d)ança
Workshop de Dança
Formadora Vânia Gala
Inscrições abertas no TAGV de 2 a 28 de Maio
Calendarização:
Dia 2 de Junho
20h30 – 22h30
Aula Técnica (técnica Release)
Dia 3 de Junho
11h00-13h00
Aula Técnica (técnica Release)
14h00-18h00
Composição – Performing Dance
Dia 4 de Junho
14h00-16h00
Aula Técnica (técnica Release)
16h00-18h00
Músculo de Ideias:
Visionamento do espectáculo “Zweiland”, de Sasha Waltz & Guest
A Bailarina Vânia Gala regressa a Coimbra para mais um workshop Semana(d)ança.
O projecto Semana(d)ança pretende ir ao encontro e responder a um desejo/necessidade que esta cidade já sentia de há muito, proporcionando e contribuindo para o desenvolvimento dos conhecimentos tanto teóricos como práticos na área da dança contemporânea de uma forma consistente e sistemática.
Desde há mais de uma década que se vem reforçando gradualmente estruturas e grupos na área performativa contemporânea e o que é facto é que a dança como disciplina e questionamento não se pode arredar desse esforço. Podendo e devendo contribuir com as suas valências.
A dança que tem o corpo como centro e mediação vem desde há muito dar expressão ás velocidades e transformações contínuas características da nossa contemporaneidade.
A sua capacidade de cruzar, incorporar de um modo quase instantâneo as experiências mais radicais e inovadoras faz com que ela seja um dos lugares por excelência de muitos questionamentos.
Que ideias temos do corpo, quais são os nossos desejos, que desejos é que nos percorrem, como nos relacionamos, novas maneiras de relacionarmos, que relação estabelecemos com os vários universos virtuais e tecnológicos, o confronto com a tecnologia, o poder da imagem, a memória, o envelhecimento, a doença, o contágio, a obsessão pela saúde pelo risco.
Talvez por isso mesmo a área da dança integre componentes das mais diversas áreas artísticas, seja o teatro, performance (aqui performance no sentido puro surgida nos movimentos de anos 60 e aprofundada pelo movimento de dança da Judson Church- nos anos 70), artes visuais (vídeo, pintura, instalação), cinema e música (desde a clássica até à música pop).
A Semana(d)ança como conceito e nos moldes a que se propõe tenta concentrar em quatro ou cinco dias no final de cada mês de forma intensiva essa necessidade de aprendizagem. O tempo será repartido por três módulos – aulas teóricas (ver Músculo de Ideias), aulas práticas - (ver Técnica Release e Composição-Performing Dance).
O seu carácter intensivo talvez se adapte melhor a um público-alvo constituído maioritariamente por estudantes universitários, artistas e público em geral que manifeste interesse nesta área.
O que autora se propõe com este projecto é chegar a níveis de exigência e rigor, estimular os participantes a produzir processos criativos autónomos e em constante diálogo com os outros e em contexto com mundo que os rodeia.
Através do debate e confronto com métodos e processos dos mais diversos na área da dança, oferecer-se-á ao corpo formas de movimentação e técnicas específicas, expondo ainda os participantes a informação nos mais variados suportes (vídeo, imagem, fotografia, música) ambos com a finalidade precisa e prática de serem trabalhados e incluídos num processo singular de composição. Pretende-se também com o módulo Músculo de Ideias provocar discussão, debate e formação de ideias próprias e praticáveis sobre o que é criar e inventar novas formas.
A experiência profissional da autora Vânia Gala construiu-se em contextos muito diversos em países como a Alemanha, Bélgica, Holanda proporcionando-lhe uma grande riqueza na abordagem ao fenómeno artístico e suas metodologias.
A assimilação de processos e disciplinas criativas em contextos de companhias profissionais com diferentes coreógrafos, o tipo de resposta criativa que teve que dar, o rigor e a disciplina física, a interacção com outros bailarinos, actores/performers em palco, a adaptação a vários palcos, as tournées, permitem-lhe hoje dispor de um conhecimento sólido e consistente tanto prático como teórico na área da dança.
Tem aproveitado essa experiência para dar aulas, não só a profissionais como também a não profissionais que demonstram curiosidade e interesse na área da dança, em países e contextos diferentes.
A sua experiência profissional inclui ainda o lugar de assistente de movimento na área do teatro no Teatro Nacional de Bergen- Nacionale Scene- Noruega.
Para além disso, tem desenvolvido e criado projectos coreográficos da sua autoria, tendo o seu último projecto, (AID) Automatic Id, sido apoiado pelo Ministério da Cultura Português e pelo Norskulturrad – Ministério da Cultura Norueguês. Este seu trabalho coreográfico tem-lhe permitido intensificar diálogos com diferentes áreas artísticas como o vídeo, música, e cenografia. Este seu último trabalho foi apresentado tanto em Portugal como na Alemanha e futuramente será apresentado em Cork (no contexto de Cork Capital Europeia da Cultura) e Dublin.
A Semana(d)ança propõe-se dar aos participantes um espaço onde possam efectivamente e de forma consistente gerar e contribuir para autonomização dos mais diversos processos criativos e reforçar o papel da dança na cidade de Coimbra no diálogo com as mais diversas áreas.
MÓDULOS
Aula Técnica
TÉCNICA RELEASE
DESCRIÇÃO
Começando no solo e partir progressivamente para movimento amplo no espaço.
A ideia central da aula é a conexão do bailarino com o solo e desenvolver a capacidade de direccionar energia conscientemente pelas diferentes articulações e membros docorpo, aumentando assim a capacidade e alcance do movimento por meio de uma maior consciencialização corporal.
As aulas começam com padrões de movimento no solo acompanhados do uso de imagens anatómicas com o objectivo de activar a relação entre o centro e extremidades do corpo.
Trabalharemos e daremos especial atenção ao ir e sair para o solo de uma maneira fácil e ágil; e daqui encontrar suporte para movimento na vertical.
Mais tarde, investigaremos através de sequências de movimento, formas mais complexas de movimentação, envolvendo: quedas, espirais, posições invertidas, “cartwill”,”handstand” e movimento amplo pelo espaço.
Estas frases de movimento serão investigadas dando especial atenção ao detalhe e à nossa capacidade de retenção/memória de movimento.
COMPOSIÇÃO / PERFORMING DANCE
DESCRIÇÃO
Serão propostas diferentes áreas de inspiração para criar material que sirva à criação coreográfica. Fontes de inspiração como filmes, fotografia, literatura e música pop...serão fonte de partida dessas investigações.
Como organizar/desorganizar movimento no espaço usando técnicas de improvisação ou por mudanças no espaço, no detalhe, qualidade ou velocidade.
Tomar riscos na criação de movimento.
A EXTREMA – velocidade, lentidão, posições invertidas, uso da força, articulação ou detalhe. O experimentar novas capacidades do corpo em movimento e do bailarino como performer. Experimentar-se-á material em grupo ou em solo.
Investigaremos a composição em termos de ritmo e seu desenvolvimento pelo espaço. Quem somos? Quem sou eu como bailarino ou quando estou em palco?
MÚSCULO DE IDEIAS
"Músculo de Ideias" dirige-se a todos aqueles que manifestam interesse na área das artes e no que é criar e ser criativo. Ao longo de vários processos criativos por vezes tão diferentes em que estive envolvida confrontei-me com uma série de questões a que tenho tentado dar resposta de alguma maneira. Pretende-se que "Músculo de Ideias" seja um espaço e um momento de as debater com uma certa intensidade. Permitindo o confronto de pontos de vista diferentes, desejando mesmo gerar outras questões sobre actividade artística.
O que é criar, o que é inventar alguma coisa, o que faz a singularidade genialidade de um artista e sua obra particulares, o que é isso de ter uma ideia, imitação/cópia versus autencidade/originalidade.
Pretende-se no período de duas horas e meia analisar com algum pormenor obras e artistas da área da dança, bem como de outras áreas relacionadas com ela, seja a música, artes visuais ou o teatro. Em conjunto concentrar-nos-emos em diferentes autores e algumas das suas criações, ás vezes tão radicalmente opostas. Como tomam forma e ganham autonomia, o que as alimenta, a extrema diversidade de processos que lhes estão subjacentes, como se relacionam com o seu tempo e com a nossa actualidade.
Com a ajuda de vídeos, fotografia, textos e música tentar-se-á provocar o debate, desconstruindo algumas das opiniões feitas e juízos apressados que temos destes artistas.
Aprender a dar “feedback" criativo de forma articulada e consistente, discutindo, indo muito além da superfície de cada criação, chegando ao pormenor às cores, formas, dramaturgia, ritmo, relação entre os vários performers em palco, o uso do espaço.....
Encontrando e relacionando os mais diversos sentidos de cada obra. Para aqueles para quem o associar e o tentar encontrar as grandes linhas e sentidos de uma obra é um hábito de algum modo algo familiar, um aviso: serão também confrontados com o núcleo, o cerne da criação, o puro prazer pelo prazer, o beau geste e a emoção/vertigem que todo o acto de criação contém.
Já que, não nos esqueçamos, é muitas vezes o incómodo e a estranheza de certas situações, o impulso inicial para a criação.
Com todos os cruzamentos de cultura pop, cinema e novas tecnologias, como é que arte alcança e procura novos sentidos. Juntando e reinterpretando formatos do passado? Ou juntando-os e reconstextualizando-os.
Indo mesmo mais longe questionar-nos-emos: fará algum sentido ser radical / revolucionário nos dias de hoje.
Se sim que novas formas tomará. Afinal de contas o que é ser artista hoje. Pode ainda alguém oferecer uma visão singular sobre Mundo?
Nota Cada sessão será dedicada a um tema específico.
Público-alvo:
Jovens (maiores de 15 anos), estudantes universitários, artistas e público em geral que manifestem interessem nesta área.
Valor da Inscrição: 35,00 euros
Inscrições abertas no TAGV de 2 a 28 de Maio
Para qualquer solicitação contactar:
Serviços Artísticos e de Produção
Teresa Santos
Tel. _ 239 855630
Fax_ 239 855637
E-mail: http://by110fd.bay110.hotmail.msn.com/cgi-bin/compose?mailto=1&msg=8285ADBD-DD46-4081-B674-39C576D660C9&start=0&len=307967&src=&type=x&to=s.artisticos@tagv.uc.pt&cc=&bcc=&subject=&body=&curmbox=00000000-0000-0000-0000-000000000001&a=f6b9446e32c53aaef64213b6d06ce09358f999df02ff736dc151b63a0e33bb73
URL: http://www.uc.pt/tagv
Teatro Académico de Gil Vicente
Praça da República _ 3000-343 Coimbra
Tel.: +351 239 855630 _ Fax: +351 239 855637
E-mail: http://by110fd.bay110.hotmail.msn.com/cgi-bin/compose?mailto=1&msg=8285ADBD-DD46-4081-B674-39C576D660C9&start=0&len=307967&src=&type=x&to=teatro@tagv.uc.pt&cc=&bcc=&subject=&body=&curmbox=00000000-0000-0000-0000-000000000001&a=f6b9446e32c53aaef64213b6d06ce09358f999df02ff736dc151b63a0e33bb73 _ Url: www.uc.pt/tagv
Automatic Id (AID) by Vânia Gala at the DANCEKIOSK
*Please scroll down for English Version!
DANCEKIOSK-HAMBURG 2006
Ein Treffpunkt für zeitgenössischen Tanz in Hamburg 3. bis 29. Juli 2006
Hamburg tanzt! Die 2.Edition des DanceKiosk-Hamburg lädt nationale und internationale Künstler und Gastlehrer ein, die für neue, inspirierende Tendenzen im zeitgenössischen Tanz stehen.Workshops, Trainings und Vorträge nationaler und internationaler Gastlehrer und Künstler geben den Teilnehmern Einblicke in zeitgenössischen Tanz, Komposition, Recherche, in die Praxis der Bühnentechnik, in Licht- und Sounddesign sowie in Dramaturgie. Die Veranstaltungen richten sich an angehende Choreographen, Dramaturgen, Regisseure, junge Tänzer, Schauspieler und Laien. Kiosk.ShotCuts präsentieren an jedem Samstag im Juli 2006 ausgewählte Solo-Performances nationaler und internationaler Künstler im Theater Hamburger Sprechwerk. Für die 2. Edition des DanceKiosk konnten Jochen Roller (Deutschland), Antje Pfundtner (Deutschland), Sara Gebran (Venezuela/Dänemark), Cristina Moura (Brasilien), Vânia Gala (Angola/Portugal), Dorothea Ratzel (Deutschland), Eva Karczag (USA), Ricardo de Paula (Brasilien), Andreas Müller (Deutschland) und Felix Marchand (Deutschland).
DanceKiosk-Hamburg wird unterstützt von der Kulturbehörde der Freien und Hansestadt Hamburg. In Kooperation mit: Schauspiel-Studio Frese, Tanzinitiative Hamburg E.V., Tanzfabrik Hamburg, Theaterakademie Hamburg, Künstlerhaus Vorwerkstift, Kampnagel Hamburg und Hamburger Sprechwerk. Das Festival Kiosk.ShotCuts wird ermöglicht durch das NATIONALE PERFORMANCE NETZ aus Mitteln des Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien sowie der Kultur- und Kunstministerien der Länder.
Weitere Informationen, Schedule und Anmeldung siehe unter: www.dancekiosk-hamburg.de /
E-Mails an: dancekiosk@yahoo.de
Künstlerishe LeitungAngela Guerreiro© The Kiosk Team
D a n c e K i o s k - H a m b u r g
A meeting point for contemporary dance in Hamburg3rd – 29th of July 2006
Hamburg in Motion! The 2nd edition of DanceKiosk-Hamburg invite national and international artists and guest teachers that represent a new and inspiring Contemporary Dance Scene. DanceKiosk-Hamburg 2006 includes daily training, workshops and seminars for dancers, movers, actors, choreographers, and the comunity. Teaching languages in English and German.The festival Kiosk.ShotCuts will present this year on each Saturday of July the newest solo-performances from national and international artists at the Theatre Hamburger Sprechwerk: Jochen Roller (Germany), Antje Pfundtner (Germany), Sara Gebran (Venezuela), Cristina Moura (Bresil), Vânia Gala (Angola/Portugal), Dorothea Ratzel (Germany), Eva Karzag (USA), Ricardo de Paula (Bresil), Andreas Müller (Germany) and Felix Marchand (Germany).
IDanceKiosk-Hamburg 2006 is supported by the Kulturbehörde der Freien und Hansestadt Hamburg. In cooperation with Schauspiel-Studio Frese, Tanzinitiative Hamburg E.V., Tanzfabrik Hamburg, Theaterakademie Hamburg, Künstlerhaus Vorwerkstift, Kampnagel Hamburg and Theater Hamburger Sprechwerk. The festival Kiosk.ShotCuts is made possible by the NATIONAL PERFORMANCE NETWORK with funds provided by the federal government’s office for culture and media, and by the ministries of culture and art of the federal states.
For further information, schedule and booking please check:
www.danceKiosk-hamburg.de
/ or send an email to: dancekiosk@yahoo.deArtistic directorAngela Guerreiro
© The Kiosk Team
Tuesday, May 09, 2006
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BIOGRAFIA
Vânia Gala é angolano-portuguesa.
Completa a sua licenciatura em dança em 1999 na E.D.D.C. (European Dance Development Center) - Arnhem.
Colabora como intérprete com os Les ballets C. de La B. - Koen Augustijnen e Christine De Smedt, Constanza Macras, Nationale Scene - Bergen, Morten Traavik, Kompani B.Valiente, entre outros.
Automatic Id (AID) o último trabalho da sua autoria foi apresentado desde a sua estreia em Portugal, Noruega, Alemanha e Irlanda.
Já em 2005 a autora foi premiada com "Best Female Performance Award" com a coreografia Automatic Id (AID) no Dublin Fringe Festival. O mesmo trabalho participou na Plataforma Aerowaves em Londres.
BIOGRAPHY
Vânia Gala is Angolan-portuguese.
She studied at E.D.D.C. (European Dance Development Center) - Arnhem.
Her collaboration as a dancer includes: Les Ballets C. of La B. - Koen Augustijnen and Christine De Smedt, Constanza Macras, Nationale Scene - Bergen, Morten Travik, Kompani B.Valiente, among others.
Automatic Id (AID) has been performed since its premiére in Portugal, Norway, Germany and Ireland.
In 2005 Automatic Id (AID) was awarded with “Best Female Performance” at the Dublin Fringe Festival and was part of the Aerowaves Festival 2005 at The Place in London..
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